Tres proyectos destacados de fotografía gastronómica de 2024
Descubre tres proyectos de fotografía gastronómica en Barcelona durante 2024: publicidad para The Fork, un reportaje del evento Juneteenth y contenido visual para el gastrobar Demo. Trabajo profesional para resaltar la comida, los eventos y la cultura culinaria.
fotografía de alimentación en Barcelona
La fotografía gastronómica, de comida o alimentación es una disciplina que combina la creatividad visual con la habilidad técnica para que los alimentos de vean atractivos y apetitosos. Durante 2024, tuve el placer de trabajar en varios proyectos apasionantes en Barcelona, cada uno con un enfoque muy distinto. Desde fotografía de publicidad con modelos hasta cobertura de eventos gastronómicos y contenido para redes sociales de un conocido restaurante, estos proyectos son ejemplos de cómo la fotografía profesional puede transformar la manera en que el público percibe la comida.
Fotografía de Publicidad para The Fork
The Fork es una reconocida aplicación de reservas de restaurantes. Junto al equipo de la productora que realizaba el contenido audiovisual para su publicidad y comunicación, realicé varias sesiones de fotografía gastronómica con actores y modelos en multiples restaurantes de Barcelona. El objetivo era transmitir la experiencia de disfrutar una comida en buena compañía, destacando la calidad y diversidad culinaria disponible en la plataforma.
Planificación: Trabajamos en un restaurante cuidadosamente seleccionado en el corazón de Barcelona, que ofrecía un ambiente moderno y acogedor. Se diseñaron escenas que mostraban desde parejas disfrutando cenas íntimas hasta grupos celebrando con amigos.
Estilo visual: Enfocamos la sesión en capturar momentos espontáneos y auténticos, equilibrando la comida con la interacción de los modelos.
Edición final: Cada imagen fue editada para resaltar los colores vibrantes de los platos y la calidez del ambiente, reforzando la imagen de marca de The Fork como sinónimo de experiencias gastronómicas memorables.
Fotografía Gastronómica para el Evento Juneteenth
Juneteenth, una celebración americana que conmemora el fin de la esclavitud en Estados Unidos, fue el tema central de este evento gastronómico realizado en Barcelona. Documentar esta cena fue una oportunidad para capturar la conexión cultural y culinaria en un ambiente único.
Enfoque del reportaje: Realicé un reportaje del evento con un enfoque especial en los invitados, capturando sus emociones y la energía vibrante de la celebración.
Charla cultural: Los organizadores ofrecieron una charla sobre el contexto cultural de la comida afroamericana, resaltando su importancia histórica y su influencia en la cocina moderna.
El chef: El menú fue preparado por un chef americano afrodescendiente, cuya pasión y experiencia se reflejaron en cada plato.
La cena: Se sirvieron platos tradicionales como gumbo, pan de maíz, costillas BBQ y otros clásicos que evocaban las raíces culturales del evento.
Resultados: Las imágenes capturaron tanto la belleza de los platos como la esencia cultural del evento, generando un impacto visual poderoso en redes sociales y material promocional.
Fotografía de Alimentación para el Restaurante Demo
Demo, un gastrobar especializado en vinos ubicado en Barcelona, necesitaba renovar su contenido visual para redes sociales. Este espacio destaca por su propuesta única que combina una cuidada selección de vinos con platos innovadores diseñados para realzar cada experiencia enológica.
Colaboración con el chef y el sommelier: Trabajé estrechamente con el chef y el sommelier para comprender la filosofía detrás de cada maridaje y transmitirla a través de las imágenes.
Estilo visual: Optamos por una iluminación dura, moderna y vibrante para resaltar las texturas y colores de los platos, complementados por copas de vino dispuestas para reflejar la atmósfera cool del lugar.
Impacto: Las fotografías ayudaron a aumentar el compromiso en redes sociales, atrayendo a nuevos clientes y posicionando a Demo como un destino imprescindible para los amantes del vino y la buena comida.
Fotografía Gastronómica en Barcelona: Mi Compromiso
Como fotógrafa profesional especializada en fotografía de comida y fotografía de alimentación, mi objetivo es capturar la esencia de cada proyecto, ya sea un plato exquisito, una experiencia culinaria o un evento único. Cada sesión es una oportunidad para contar historias visuales que conecten con el público y eleven la percepción de la gastronomía.
Barcelona es un escenario perfecto para la fotografía gastronómica, con su diversidad culinaria y su pasión por el buen comer. Si buscas fotografía profesional para tu restaurante, evento o campaña publicitaria, estaré encantada de trabajar contigo.
Contacto
¡Hablemos de cómo puedo ayudarte a destacar en el mundo de la gastronomía! Puedes visitar mi página de contacto o enviarme un mensaje directo. Juntos podemos crear imágenes que hagan brillar tu proyecto.
Si quieres ver más ejemplos de fotografía profesional de alimentación y gastronomía de mis sesiones realizadas en Barcelona no dudes en visita mi página de bodegón y publicidad y también de fotografía de alimentación.
Fotografía de publicidad y producto: Capturando la esencia de Nocilla
Recientemente tuve el privilegio de realizar una sesión de fotografía de producto para una marca icónica: Nocilla. Como fotógrafa profesional especializada en fotografía de alimentación y fotografía de producto, mi objetivo fue destacar la esencia de esta marca tan querida en cada imagen.
Paso a paso de una sesión de fotografía de publicidad
La fotografía de publicidad es un arte que combina creatividad, técnica y atención al detalle para transmitir un mensaje potente y efectivo. Recientemente tuve el privilegio de realizar una sesión de fotografía de producto para una marca icónica: Nocilla. Como fotógrafa profesional especializada en fotografía de alimentación y fotografía de producto, mi objetivo fue destacar la esencia de esta marca tan querida en cada imagen y en este artículo te cuento cómo lo llevé a cabo desde la pre-producción hasta la realización y la edición de las imágenes.
Preparación de la sesión de fotografía de producto: resaltar los valores de marca
La planificación es clave en cualquier proyecto de fotografía de publicidad. En este caso, trabajamos cuidadosamente para resaltar los valores de la marca Nocilla: calidad, sabor y autenticidad. Para ello, comenzamos con un briefing detallado junto al equipo de marketing de la marca, donde definimos:
El estilo visual: teníamos claro que debía ser un estilo cálido, juvenil y cercano. Para ello optamos por usar como color principal el rojo de la marca, como secundario un azul complementario y como colores neutros los rosados y beige.
Los elementos del atrezzo: Vajilla y textiles que evocan momentos caseros y felices siempre en la gama de colores de la marca.
Encuadres cerrados: Para mantener el enfoque en la calidad del producto y su textura decidimos optar por composiciones con encuadres muy cerrados.
El objetivo principal de la sesión en este caso fue crear imágenes que no solo sean atractivas, sino también capaces de contar una historia que conecte emocionalmente con el público objetivo.
La producción y el proceso creativo
La sesión de fotografía de alimentación se llevó a cabo en mi estudio en Barcelona, equipado para realizar este tipo de proyectos. Trabajé con un equipo compuesto por un estilista de alimentos, una directora de arte y varios asistentes para garantizar que cada detalle estuviera perfecto.
Iluminación: Utilicé una luz directa y brillante para resaltar la cremosidad de la Nocilla y crear un ambiente dinámico que recordara la luz solar y al mismo tiempo saturara los colores aportando un toque juvenil. La iluminación es crucial en fotografía de producto, ya que realza las texturas y los colores, atrayendo la atención del espectador.
Composiciones: Diseñamos escenas que incluyeran el producto en su contexto, es decir, untado sobre pan, cruasanes o gofres y en espacios que recordaran interiores de casa, ya fuera una cocina como un escritorio o una mesa de comedor.
Edición: Cada fotografía fue editada cuidadosamente para mantener la fidelidad de los colores y asegurar que el producto se viera tan delicioso como en la realidad. Esto incluyó ajustes de brillo, contraste y nitidez, así como la eliminación de cualquier imperfección.
Desafíos y Soluciones
Como en cualquier proyecto creativo, surgieron algunos desafíos durante la sesión. Uno de ellos fue lograr que la textura de la Nocilla destacara sin parecer artificial. Para ello, trabajamos con diferentes temperaturas de luz y seleccionamos cuidadosamente el atrezzo para crear contraste. También realizamos pruebas previas para garantizar que el producto se mantuviera fresco y atractivo durante toda la sesión.
Otro reto fue transmitir la sensación de hogar y calidez en un entorno de estudio fotográfico. Gracias a un diseño meticuloso de las escenas y al uso de elementos como madera, textiles naturales y tonos cálidos, logramos crear una atmósfera que conectara con el consumidor.
Resultados
El resultado final fue una serie de imágenes que capturan la esencia de Nocilla y refuerzan su posicionamiento como una marca de confianza y calidad. Estas fotografías se utilizarán en diversas plataformas, incluyendo:
Campañas publicitarias: Para destacar el producto en anuncios impresos y digitales.
Redes sociales: Imágenes diseñadas para captar la atención de los usuarios y generar interacciones.
Materiales de marketing: Desde catálogos hasta vallas publicitarias, cada foto está pensada para adaptarse a múltiples formatos.
Confía en un fotógrafo profesional de producto y publicidad para destacar tu marca
Igual que con Nocilla, como fotógrafa profesional especializada en fotografía de producto y fotografía de alimentación, mi misión es ayudar a las marcas a destacar en un mercado competitivo. Cada proyecto es una oportunidad para crear imágenes únicas que no solo atraigan, sino que también inspiren. Mi enfoque está en capturar la esencia de cada producto y transmitir sus valores de manera visual.
Barcelona es una ciudad llena de oportunidades para la fotografía de publicidad, y mi estudio está equipado con la tecnología y los recursos necesarios para llevar a cabo proyectos de cualquier escala. Desde pequeñas marcas locales hasta grandes empresas, mi compromiso es ofrecer resultados que superen las expectativas.
Si quieres ver más ejemplos de fotografía profesional visita mi página de fotografía e-commerce, de bodegón y publicidad y también de fotografía de moda y alimentación.
¡Lanzo mi nuevo proyecto de fotografía corporativa!
Estoy emocionada de presentar mi nuevo proyecto de fotografía corporativa que ya se puede visitar en la página web www.fotografiacorporativa.es. Un proyecto diseñado específicamente para empresas y profesionales que buscan mejorar su imagen y destacar en un mercado competitivo con el que pretendo ofrecer servicios de imagen integrales.
Estoy emocionada de presentar mi nuevo proyecto de fotografía corporativa que ya se puede visitar en la página web www.fotografiacorporativa.es. Un proyecto diseñado específicamente para empresas y profesionales que buscan mejorar su imagen y destacar en un mercado competitivo con el que pretendo ofrecer servicios de imagen integrales.
Fotografía de retrato profesional y marca personal en Barcelona
Como fotógrafa profesional, y más trabajando en una ciudad como es Barcelona, entiendo la importancia que tiene para una empresa o un profesional tener fotografías que reflejen a la perfección la identidad y los valores de aquello que uno quiere transmitir. Por ello, ofrezco una amplia gama de servicios de fotografía adaptados a todas las necesidades específicas. Entre mis servicios destacan:
Fotografía de Eventos y Conferencias: Documento encuentros empresariales como celebraciones, presentaciones de producto o conferencias. También entregas de premios, festivales cinematográficos, encuentros científicos y jornadas o cursos corporativos.
Fotografía Corporativa: Retratos y fotos de equipo que transmiten profesionalismo y confianza, pensados para capturar visualmente la esencia única de una organización para poner en valor aquello que la hace diferente.
Fotografía de Interiores: Se trata de un tipo de fotografía que destaca la estética y funcionalidad de espacios internos, dirigido tanto a arquitectos, estudios de diseño de interiores y agencias de real estate, así como restaurantes y otro tipo de pequeños negocios interesados en obtener imágenes de calidad profesional para su comunicación en redes sociales o en su página web.
Fotografía de Marca Personal: Retrato profesional tipo Linkedin como fotografía de marca personal pensada para destacar, potenciar y mostrar aquello que hace único a cada profesional y su proyecto. Entre mis clientes se encuentran escritores, asesores financieros, estilistas, diseñadores, coaches, terapeutas, actores, músicos, influencers y emprendedores.
Fotografía corporativa de tu equipo en estilo profesional tipo Linkedin en Barcelona
Con más de una década de experiencia en el sector, me enorgullece ofrecer un servicio personalizado, adaptado a las necesidades y expectativas de cada cliente. En www.fotografiacorporativa.es, la calidad y la atención al detalle son mi máxima prioridad. Y es que contratar mis servicios de fotografía corporativa ofrece varios beneficios clave que pueden transformar la imagen y presencia de tu empresa: En primer lugar, ayudo a crear una imagen visual coherente y profesional que refuerza la identidad de tu marca. Esto es fundamental para transmitir confianza a tus clientes y socios comerciales, estableciendo una base sólida para relaciones duraderas.
Fotografía corporativa también para emprendedores en Barcelona
Además, las fotografías de alta calidad que proporciono capturan la atención y generan una impresión positiva inmediata. En un mundo donde la primera impresión es crucial, contar con imágenes impactantes es esencial para atraer y retener clientes, diferenciándote de la competencia. Ofrezco imágenes únicas y personalizadas que destacan tus fortalezas y valores, haciendo que tu marca se distinga en un mercado saturado.
Fotografía de interiores y arquitectura en Barcelona
La mejora de la comunicación visual es otro de los grandes beneficios. Facilito la transmisión efectiva de tus mensajes y valores a través de imágenes claras y atractivas, lo que es crucial para cualquier estrategia de marketing y comunicación. Asimismo, mis servicios de fotografía profesional aumentan el atractivo visual de tu contenido en redes sociales, mejorando la interacción y el compromiso de tu audiencia. Esto es especialmente importante en un entorno digital donde las imágenes juegan un papel central en la captura del interés.
Fotógrafo de conferencias y eventos en Barcelona
Por último, la versatilidad y adaptabilidad de las fotografías que ofrezco permiten su uso en diversas plataformas y formatos. Desde sitios web y materiales impresos hasta redes sociales y presentaciones corporativas, mis imágenes están diseñadas para ser efectivas en cualquier contexto, ayudándote a alcanzar tus objetivos empresariales con mayor facilidad.
En resumen, los beneficios de contratar mis servicios de fotografía corporativa se traducen en una mejora significativa de la imagen de tu empresa, una comunicación más efectiva y un mayor engagement con tu audiencia, todo ello contribuyendo a fortalecer tu marca personal y profesional.
Fotografia corporativa de imagen personal
Te invito a explorar mi sitio web y a ponerte en contacto conmigo para discutir cómo puedo ayudarte a mejorar la imagen de tu empresa a través de la fotografía profesional. Juntos, podemos crear imágenes que hablen por sí solas y lleven tu marca al siguiente nivel.
Fotografía creativa de producto. Entre el e-commerce y la publicidad
Existen distintos tipos de sesiones y es fundamental como fotógrafo profesional entender bien al cliente y sus necesidades específicas. Fotografía profesional de e-commerce, fotografía publicitaria y fotografía de bodegón.
Fotografía creativa de producto para redes sociales
Como fotógrafa de publicidad y fotografía comunicativa en Barcelona me llegan muchas veces peticiones de presupuestos de nuevos clientes en los que me piden distintos tipos de servicios de fotografía profesional para comunicar sus proyectos y productos. Existen distintos tipos de sesiones y es fundamental como fotógrafo profesional entender bien al cliente y sus necesidades específicas. Algunas veces cuesta definir cuales son estas necesidades, ya sea por falta de estrategia de marketing o también porque el cliente desconoce las distintas opciones que hay, y es que la fotografía de producto abarca muchos enfoques distintos.
Cuando un cliente pide un presupuesto para fotografiar sus productos, ya sean tazas, camisetas o bolsos de diseño, puede que se refiera tanto a una fotografía de e-commerce con fondo blanco y una iluminación muy descriptiva como a un bodegón o still life muy elaborado con fondos de texturas, atrezzo (en España llamamos así a los props y objetos decorativos), una iluminación creativa y, si me apuras, hasta dirección de arte.
O sea ¿de qué hablamos cuando hablamos de fotografía de producto?
Fotografía de producto tipo e-commerce para catálogo
La fotografía de producto más “básica” que existe es la que sirve para describir los productos para que los clientes sepan exactamente qué están comprando. Escribo la palabra “básica” entre comillas porque la fotografía de producto de este estilo tiene unas características que no son nada básicas en el fondo. Si se quiere hacer una buena foto de un objeto, pongamos por ejemplo una botella, hay que tener en cuenta múltiples factores. Es importante que la posición del objeto permita ver bien el volumen y la dimensión, que la iluminación favorezca a que se entienda de qué material está hecho, que la reproducción del color sea fiel al producto, que se aprecien bien la textura y también los detalles.
Es decir, que los productos u objetos de nuestros clientes se vean bien, atractivos y de la forma más honesta posible ya que su aplicación principal será en catálogos comerciales o en páginas web con el propósito de realizar ventas.
En fotografía esto se traduce wn la cámara y la lente, el punto de vista, dominio de la iluminación y por supuesto a una buena postproducción. Siguiendo el ejemplo de la botella, he encontrado estas dos fotografías, una profesional hecha por la marca y otra de una web cualquiera. En la primera fotografía la botella parece mucho más baja, oscura y amarilla que en la fotografía de producto “oficial”. El fotógrafo o fotógrafa que hizo este trabajo, como buen profesional, tuvo en cuenta todas estas cosas mencionadas. Como podéis ver, la percepción del objeto cambia radicalmente.
Fotografía de producto tipo still life o bodegón
Más allá de la representación fidedigna del e-commerce, una fotografía comunicativa de producto ambientada en un bodegón sirve para transmitir las ideas, los valores y las sensaciones que trae consigo ese objeto y esa marca en concreto. En vez de explicar el objeto en sí, lo que hacemos es transmitir las emociones y sensaciones que nos va a proporcionar.
Por ejemplo, este trabajo que realicé en 2022 para la marca española de cosméticos Skeyndor. La agencia de comunicación que me contrató había trabajado el concepto con la marca y tenían claro el enfoque que querían darle. En la PPM (reunión llamada Pre Production Meeting) me explicaron los conceptos que querían transmitir, así como los colores y aportaron también imágenes de referencia del resultado que deseaban para cada línea de productos. En base a esto, yo me encargué de buscar los elementos de atrezzo, tipo fondos, texturas, bases y props así como las flores y realicé la sesión. Aunque la dirección de arte venía marcada por la agencia, tuve mucha parte creativa en este shooting de producto ya que la decisión final sobre cómo combinar los colores, cómo crear las composiciones y cómo iluminar los bodegones, es algo de lo que se encarga el fotógrafo profesional que los realiza.
En este shooting se plantearon conceptos como naturaleza, frescura, primavera, auto cuidado o equilibrio. Estos conceptos se trabajan desde el look and feel y en este caso se tradujeron a colores sólidos para los fondos, flores frescas de colores vibrantes y elementos naturales como piedras, luces y sombras proyectadas.
El propósito de una sesión de bodegón es la de transmitir los valores de la marca, crear contenido para redes sociales y generar un imaginario que gire en torno a los beneficios del producto. Es decir, crear una imagen de marca consistente que impacte en los posibles compradores.
Fotografía de producto orientada a la publicidad
Entre la fotografía de e-commerce completamente descriptiva y la fotografía evocativa del bodegón existe también la fotografía de producto pensada para publicidad. Este tipo de fotografía suele llevar menos elementos decorativos pero enfatiza mucho en el producto y suele ser muy llamativa. Ya que, en mi opinión, este tipo de fotografía está pensada para aplicaciones de diseño gráfico, ya sea para poner texto o crear un banner o cartel y atraer la atención hacia el producto, más que para crear una escena.
En definitiva, cuando hablamos de fotografía de producto profesional hablamos en realidad de tres tipos de fotografía: e-commerce, fotografía publicitaria y fotografía de bodegón tipo still life. Lo primero que tiene que averiguar todo fotógrafo profesional que se precie, para saber cómo encarar cada sesión y saber qué tipo de enfoque darle, es definir con el cliente qué tipo de aplicaciones va a necesitar, ya que no es lo mismo generar imágenes para venta en página web que hacerlo para el feed de Instagram de una marca como para un catálogo de productos.
Si quieres ver más ejemplos visita mi página de fotografía e-commerce, de bodegón y publicidad y también de fotografía de moda y alimentación.
"El salt d'en Lindy" fotolibro de autor
¡Estoy a punto de publicar un libro con mis fotografías de conciertos y baile swing!
¡En los 10 años que hace que bailo y fotografío Lindy Hop he disparado más de 37.000 fotografías por toda Cataluña! Quería compartir los momentos mágicos, íntimos y especiales recogidos en estas imágenes y la mejor forma de hacerlo ha sido crear un fotolibro.
Aquí os cuento el proyecto! (Audio en catalán con subtítulos en español.)
Realmente pensé que nunca tendría tiempo para ello hasta que llegó la pandemia y nos quedamos encerrados en casa. Por otro lado empecé a investigar sobre el formato del fotolibro en sí, que era nuevo para mi, y a entender la diferencia entre libros de fotografía, que son simplemente recopilaciones, a un fotolibro que es un objeto con una narrativa propia, un ritmo marcado por el paso de las páginas y con un inicio y un final. ¡Toda una experiencia!
El salt d’en Lindy, traducción en catalán de “Lindy hop”
El nombre del baile "Lindy hop" se puso en 1927 en honor al aviador Charles Lindbergh que realizó el primer viaje (salto) transatlántico de Nueva York a París. El baile nació en el Harlem haciéndose rápidamente popular, aunque con los años fue paulatinamente perdiendo fuerza hasta que en los años 80 un grupo de bailarines suecos lo rescató, volviendo a ponerlo de moda en Europa. Así fue cómo, mediante otro salto transatlántico, el swing volvió a la vida llegando tímidamente a Barcelona en los años 90.
Durante el tiempo que he estado haciendo este proyecto me he acercado a esta forma poética de entender el “objeto” del fotolibro por varías vías; gracias a la comunidad de Somos Fiebre y viendo los vídeos de Olmo González, acudiendo a un club de lectura específico de fotolibros en el que ver, tocar y debatir y haciendo un taller para trabajar en mi propia maqueta con el artista y editor Àlex Llovet. Me di cuenta de que no sabía nada de nada, no era consciente de que el fotolibro es un dispositivo con tantos planos de lectura, y me fascinó.
Por eso me planteé hacer un libro de autor. Esto ha supuesto encontrar una narración en la selección de imágenes, no sólo he elegido fotografías bonitas o espectaculares, he querido que, además, dialogaran entre ellas. Por eso, en lugar de utilizar un orden cronológico, he planteado un orden cromático y he buscado sugerir un ritmo musical que recuerda al del baile. Detalles que no se ven a simple vista pero que estructuran el conjunto.
Maqueta del fotolibro.
Las imágenes van acompañadas de transcripciones de entrevistas a músicos y bailarines de la comunidad, todas ellas del programa Va de Swing de Txell Vivó, mediante las cuales se recoge un testimonio en primera persona de esta década de swing y jazz.
El libro tendrá dos tipos de papel, por un lado papel fotográfico de alta calidad para las imágenes y por otro papel vegetal para los textos. El papel semi transparente nos permite vislumbrar las imágenes mientras leemos y los textos se presentan en dos idiomas, catalán en una cara e inglés a la otra, sugiriendo y creando una atmósfera.
Tengo previsto realizar una tirada muy pequeña de 200 copias. El tamaño del fotolibro será de 16,5 x 23,5 cm. Del 2 de Mayo al 12 de Junio haré una campaña de micro-mecenazgo a través de la plataforma Verkami. El micro-mecenazgo es una forma de ayudar a los artistas a sacar a delante proyectos mediante una preventa; cada persona interesada hace una aportación hasta que se alcanza el objetivo económico para que se pueda realizar el proyecto.
El libro estará fisicamente terminado para el 17 de Junio, día en el que haremos una presentación con todos los amigos, colaboradores y mecenas del “Salt d’en Lindy”!
Las personas entrevistadas en orden de aparición son: Lluís Vila, Dani Alonso, Emi Garrote, Claudia Fonte, Roser Ros i Joan Chamorro
En las fotografías aparecen: Sonia Ortega y Héctor Artal (Portada). Cassidy Holden, Gordon Webster, Naomi Uyama, Swingmaniacs troupe, Barcelona Jazz Orquestra, Joan Chamorro, Aitor Leniz, Sharon Davis, Andrea Motis, Kevin St. Laurent, Jo Hoffberg, Xavi Recuenco, Divines Companyia Artística, Pol Prats, Saphie Wells and The Swing Cats, Quim Masferrer, Marta Móra, Ivan Kovacevic,Dj Llamàntol, Dani Alonso, Gemma Abrié, Agustí Burriel, Carrie Lewis, Jana Grulichova, Jordi Mundet, Todd Yannacone, Laura Glaess, Juli Aymí, Pep Espígol, Emi Garrote, Nils Andrén, Bianca Locatelli, Jean Pierre Derouard, Gustav Jakobsson, Sandy Lewis y Raquel del Pozo Barahona entre otros.
Fotografías de Núria Aguadé
Entrevistas de Txell Vivó "Va de Swing" a Sants 3 Ràdio
Diseño gráfico de Damián Plouganou
Prólogo de Rafa Badía
Correcciones de Joan Pol Argenter
Traducciones de Frances Dougherty
Impreso por La trama digital en Bilbao 2022
Cómo abordar la fotografía de danza en 5 consejos
5 consejos para abordar la fotografía de danza y el book de baile
Llevo años haciendo fotografía de baile en Barcelona, un género muy específico ligado a la creación escénica. Hoy voy a hablar de fotografía de book para bailarines en sesiones donde hay un posado, y también de fotografía de danza en directo hecha en los ensayos, los espectáculos o durante rodajes de videoclips.
Mira baile
El primer consejo es obvio pero creo que es el más necesario, porque no todo es igual y hay que tomar tiempo para entender, mirar los movimientos y escuchar la música. Cada tipo de baile tiene su propia estética y códigos, la clave está en identificar cuales son estos y ver las posiciones que más los representan para fotografiarlos en el momento decisivo.
Cómo poner la cámara para tomar fotografías de danza
Existen diversos enfoques sobre cómo abordar a nivel gráfico la captura fotográfica, jugando con los parámetros estéticos de la cámara, como los movimientos congelados o las estelas y barridos, o los desenfoques al límite versus el enfoque total. En general es preferible congelar el movimiento usando velocidades altas para tener una fotografía nítida, con márgenes que permitan respirar a figura. Aunque trabajar con el propio movimiento dejando que la cámara haga exposiciones lentas también genera imágenes muy expresivas.
Como ejemplo estas fotografías de la bailarina y coreógrafa Ksenia Parkhatskaya. La primera muestra la figura en un momento cumbre del movimiento, congelada en suspensión, muy enfocada y encuadrada según los tercios (equilibrio). Sin embargo la otra juega con el movimiento de un obturador lento, una estética que nos sugiere luz baja, solo el rostro a foco y los brazos y el vestido borrosos. Son claramente looks diferentes y para ello hay que usar settings distintos.
Yo desaconsejo usar el disparo en ráfaga, en mi experiencia cazando fotos nunca me ha dado buenos resultados. Creo que es preferible ser “franco tirador” a “ametralladora” y tener una foto magnifica a cinco mediocres.
Busca referentes de poses de baile
Cuando estamos haciendo un book de fotos para un artista lo primero es ver referencias del tipo de baile que vamos a fotografiar. Hablar con el bailarín sobre la estética que quiere que tenga su sesión, ya que al final se trata de lograr fotografías que les representen. Yo me ayudo siempre un tablero de Pinterest para compartir fotos y así puedo entender su visión y lo que quiere expresar. Me ayuda a entender como enfocarlo y trabajar de forma más fluida.
Si quieres leer más consejos sobre cómo preparar una sesión de book te dejo este artículo que escribí hace un tiempo: cómo realizar un book de fotos
Composición perfecta al estilo “ballerina project”
Sin duda este conocido proyecto fotográfico ha sentado un precedente en cómo hacer una composición con un bailarín de clásico o contemporáneo en un fondo urbano. A la hora de plantear un book de fotos para un bailarín podemos tomar sus referencias para hacer fotografías espectaculares: se trata de usar un plano frontal y una composición muy equilibrada buscando la posición perfecta del cuerpo del bailarín y jugando con los elementos urbanos. Por ejemplo en las dos fotografías de abajo la bailarina está enmarcada, en la primera por la arquitectura de las arcadas y en la segunda por el punto de fuga de la calle. El desenfoque de lente ayuda a resaltar la figura y el disparo se ha hecho en un momento “decisivo” de la acción.
Funciona muy bien para el ballet y el jazz por ejemplo ya que son ambos bailes que tienen líneas muy marcadas. Con este tipo de encuadre buscamos obtener sólo la mejor foto de cada pose o fondo. Este enfoque también es válido para la fotografía de estudio con iluminación, como las fotografías del ejemplo anterior.
Cambia el punto de vista para cambiar tu composición
Con la fotografía de danza en directo hecha en los ensayos, los espectáculos o durante rodajes de videoclips tienes que adaptarte al espacio y la luz existente. Casi siempre luz directa, lo que obliga a levantar las ISO para poder congelar.
En la fotografía fija para rodajes de cortos o videoclips me gusta estar en set y poder dar la vuelta alrededor de los bailarines tomando fotografías desde ángulos distintos. A diferencia de la danza en directo, en un rodaje cada parte de la coreografía se repite varias veces, y como fotógrafo puedes moverte con libertad. También puedes acercarte y realizar composiciones más cerradas, usar teleobjetivos y obtener así primeros planos mucho mas expresivos. Fijaros en estos ejemplos de las mismas escenas, en estas fotos se puede ver la misma parte de la coreografía desde puntos de vista distintos. La primera de cada serie corresponde al tiro de cámara de video desde el que se grababa y las segundas a buscar un ángulo lateral.
A diferencia de esta fotografía más pausada en un set controlado, en la fotografía de baile en directo las cosas sólo pasan una vez, a mucha velocidad y si no tomas las fotos des del frente del escenario corres el riesgo de quedarte con fotografías mal compuestas en las que no se entiende nada. No olvidemos que las coreografías tienen sentido de cara al público, esto pasa porque el baile crea imágenes y momentos visibles hacia dónde está la audiencia, y aunque de hecho sea siempre preferible tomar esta foto más “oficial” de la pieza, la verdad es que con un poco más de tiempo se pueden descubrir pequeñas maravillas.
Estos son dos ejemplos de fotografías tomadas durante exhibiciones de baile en directo, aunque la primera es muy “mágica" no se entiende muy bien que está pasando, sirve si tenemos otras que expliquen mejor quien es el bailarín, dónde está y que está haciendo. En cambio la segunda es un buen ejemplo de fotografía en alta velocidad de “momento cumbre” en la que se ve claramente los rostros, el fondo y el estilo de baile que se está haciendo.
5 consejos para hacer fotografía de baile
En resumen estos son los 5 consejos para abordar la fotografía de baile para book y de danza en directo.
Mira baile. El primer consejo es obvio pero creo que es el más necesario, porque no todo es igual y hay que tomar tiempo para entender y escuchar la música. Cada tipo de baile tiene su propia estética y códigos, la clave está en identificar cuales son los movimientos y las posiciones que más los representan para fotografiarlos en el momento decisivo.
Busca imágenes de referencia para tu sesión. Piensa las fotos que harás buscando referencias del tipo de baile, habla con el bailarín sobre la estética de la sesión. Yo me ayudo siempre un tablero de pinterest para compartir fotos y así puedo entender su visión y lo que quiere expresar. Me ayuda a entender como enfocarlo y trabajar de forma más fluida.
Juega con los parámetros estéticos de la cámara. Solemos probar sólo a congelar el movimiento pero también podemos hablar del movimiento jugando con estelas y barridos, o los desenfoques al límite versus el enfoque total.
Busca la pose perfecta en el lugar adecuado. Para poses con bailarines de clásico o contemporáneo con figuras de lineas muy marcadas usa planos frontales y compón de forma equilibrada buscando la posición perfecta y jugando con los elementos urbanos. Con este tipo de encuadre buscamos hacer sólo la mejor foto de cada pose o fondo. Este enfoque también es válido para la fotografía de estudio con iluminación, como las del ejemplo anterior.
Cambia el punto de vista para cambiar tu composición. En un directo es preferible hacerlo cuando ya has asegurado tener la foto perfecta frontal (no olvidemos que las coreografías tienen sentido de cara al público). En cambio en un ensayo o un rodaje cada parte de la coreografía se repite varias veces, y como fotógrafo puedes moverte con libertad para descubrir otras escenas. También puedes acercarte y realizar composiciones más cerradas, usar teleobjetivos y obtener así primeros planos mucho mas expresivos.
Espero que este artículo sobre cómo abordar la fotografía de baile haya sido interesante para ti. ¡Si quieres ver mis fotografías de book para bailarines y fotografía de danza en directo hechas en Barcelona pincha en los links!
¡También realizo sesiones de book de fotos para actores y músicos!
Mis mejores fotografías de book del año
Las mejores sesiones de book y publicidad del 2021.
Termino 2021 contenta. Soy consciente de que después de 2020 sólo se podía ir a más, es verdad, pero independientemente miro las fotos de este año y veo que en comparación he hecho mucho más retrato que otros años. Qué digo mucho, ¡muchísimo más! Lo que me ha permitido trabajar con actores, músicos y bailarines de Barcelona haciendo books, probando cosas nuevas de iluminación que siempre me hace feliz, y realizar algunas campañas de publicidad.
Las 10 mejores sesiones de retrato del 2021
La versión corta, muy resumida, de mi top 10 del año son estas fotografías que os pongo a continuación. Pero como ya sabéis que me gusta iluminar y hablar de cómo preparo las sesiones, si queréis la versión larga continuad leyendo, porque os voy a ir contando las particularidades de cada una de estas sesiones, desde las de publicidad hasta los directos de danza, llegando a la guinda del pastel: las sesiones de book en estudio.
Un año con mucha fotografía de retrato de estudio
Enero empezó potente con un encargo para Puma haciendo una sesión de retratos con el ex jugador del Barça Antoine Griezmann. Básicamente me pidieron que tomara una fotografía con el mismo look que una de referencia de otro jugador fotografiado previamente en otra localización y por otro fotógrafo. Realizar un retrato profesional para publicidad es siempre complejo, lograr que se vea exactamente igual que otra fotografía que no has tomado tú hace que se complique aún más. Escribí un post que podéis leer aquí donde explico toda la sesión y las luces empleadas.
La parte más compleja de la sesión fue poner geles de colores en las luces y proyectar tonos de colores sólo en una parte de la cara del jugador sin afectar al resto.
Los geles son tendencia; los he usado para marcar recortes como en la foto de Griezmann, te ayudan a cambiar el color de un fondo de una forma super rápida y a dar un look diferente a una imagen. En estos retratos del músico Plugim los usé para crear un ambiente de separación de colores, con mucho contraste, proyectando hasta dos colores distintos y generando una atmósfera futurista. En este post hablo sobre nuestra colaboración artística.
Otro ejemplo de una sesión en la que usé colores proyectados con luz para crear los fondos fueron las fotografías de publicidad de la campaña del 8M, que hice para Barcelona en Comú. También escribí un post en su momento hablando de la iluminación y de las decisiones de vestuario que podéis leer aquí.
Fotografía de retrato en rodajes de danza
De la fotografía fija de rodajes que hice este año quiero destacar tres sesiones de fotografía de danza preciosas, y que incluyo en esta sección porque las tres fueron hechas en plató con iluminación en set mientras se hacía un vídeo en paralelo.
La primera para el videoclip de la canción Fear de Ksenia Parkhatskaya, que se rodó en la sala Hangar de Barcelona. La idea para crear este mood oscuro fue iluminar la escena desde arriba evitando que la luz llegara a las paredes. El efecto es muy dramático y pictórico; un trabajo del que estoy muy contenta.
Las siguientes fotografías también fueron hechas para un videoclip de danza de la performer Sara Brown. La pieza se llama Monster y explora la identidad. Uno de los retratos llamó la atención de la revista de tendencias italiana Frisson y fue portada del número de otoño, una alegría. También para publicar en esta revista hicimos una sesión tipo editorial en estudio con Sara para acompañar una entrevista, dándole un look muy limpio y natural. Hice la iluminación con una sola fuente de luz colocada como un beauty dish y un reflector, buscando fotos luminosas con tonos tierra y cielo que contrastaran con las otras imágenes.
Una de mis últimas sesiones del año ha sido para crear el material promocional de la pieza Rojos de Miquel Barcelona que se estrena la última semana del año en el Mercat de les Flors. Fotografías de directo tomadas a pie de escenario para recoger la iluminación tenue que la escenógrafa pensó para esta pieza.
Iluminando retratos para músicos, actores y bailarines
He dejado lo más gratificante para el final. Los retratos en estudio han sido este año mi laboratorio de pruebas, me ha permitido experimentar con unas cuantas iluminaciones y explorar posibilidades creativas nuevas. Para mí ha supuesto un salto de calidad porque he tenido tiempo para hablar de verdad con la gente que he retratado, he podido conectar y entender que querían que sus retratos explicaran de ellos. Luego he intentado hacer la luz en consecuencia, como un traje a medida de lo que me pedían. De todas estas sesiones he aprendido y disfrutado. Os dejo una selección de las que más me han gustado, son nombres propios para mí: Aina, Ksenia, Laia, Toni, Iratxe, Martina, Amaya, Adrian, Sara y Laura. Ha sido definitivamente un buen año fotográfico :)
Retrato de Antoine Griezmann para Puma
Retrato de Antoine Griezmann para la campaña de Puma “La Liga”.
Recientemente hice una sesión de fotografía de retrato profesional para publicidad con el jugador del Barça Antoine Griezmann. Se trata de la campaña de Puma “La Liga” en la que distintos jugadores, Jan Oblak, Luis Suárez, Antoine Griezmann, Raphäel Varane, Suso, Koundé y Marc Bartra, se enfrentan al estilo de la mítica serie de anime Oliver y Benji.
Con esta campaña Puma presentó el balón Accelerate para la próxima temporada de LaLiga Santander y de LaLiga SmartBank.
El reto para esta fotografía de retrato era conseguir una imagen con el mismo aire que las de los otros dos jugadores, fotografiados previamente en otra localización y por otro fotógrafo.
Griezmann Puma La Liga. ©Núria Aguadé
Fotografía de retrato con luz de color
Realizar un retrato profesional para publicidad es siempre un reto, pero que a demás tenga el mismo look que otra fotografía que no has tomado tu hace que se complique aun más. Las pequeñas diferencias que puedan haber entre modificadores y posiciones de las luces se traducen en grandes cambios en el look de la imagen final, así que con la referencia en mano trabajé el esquema de la iluminación para que todo funcionara a la perfección.
El esquema era una luz Rembrandt con la idea de que el perfil derecho tuviera una dominante de color roja, pero que en el resto de la imagen se mantuviera neutra para no contaminar ni el tono de piel ni la equipación.
Para ello coloqué una luz principal en una ventana octagonal (una de mis luces favoritas) y una luz de relleno para las sombras con un gel de color y en una intensidad en la que no llegara a iluminar del todo la sombra pero que al mismo tiempo diera ese relleno de color, creando un reflejo rojo en el rostro del jugador. Habitualmente la luz secundaria de relleno suele modificarse para que sea más suave que la principal, ya que su cometido normalmente es el de controlar el contraste, pero en este caso funciona como una luz de contra o recorte. Al ser más dura es más complejo colocarla bien dentro de la imagen.
Aquí os dejo unas fotos (sacadas con el móvil) del set que monté y de la localización entre anillas olímpicas. Una de las maravillas de esta profesión es que te lleva a lugares que de ninguna otra forma pisarías, y a conocer a gente que no imaginas. Nunca me canso de decirlo y de estar agradecida por ello. En este rodaje disfruté enormemente del espacio del Estadi Olimpic.
En este link podéis leer la noticia de la presentación.
Agencia Landia. Con Helsinki Studio.
Políticas feministas: Fotografía para carteles del 8M
Explico las decisiones estéticas y técnicas de mi última sesión de fotografía publicitaria. Carteles para el 8 M sobre las políticas feministas impulsadas por Barcelona En Comú.
Si vives en Barcelona puede que hayas visto por la calle los carteles de la última campaña de Barcelona En Comú que habla sobre las políticas feministas que han impulsado. Se han colocado por toda la ciudad en motivo del 8 de Marzo. Son 10 carteles con imágenes de fotografía de estudio en las que aparecen 16 personas distintas, ninguno de ellos modelo profesional.
En fotografía publicitaria uno se plantea cuál es la mejor forma de crear el “storytelling”, a quién se quiere llegar y cómo se desea que se entienda. Para esta campaña con el equipo de comunicación planteamos reforzar el mensaje desde una imagen que fuera presente y activa y que transmitiera orgullo y valor.
Para ello se planteó que los retratos se tomaran sobre fondos de colores puros e intensos y combinar estos fondos con los tonos de la ropa, buscando crear un contraste de color fuerte y jugando en casi todos los casos con armonías de colores complementarios (Si no sabes mucho de color y te interesa este tema, en este enlace puedes leer un artículo que escribí sobre qué son las armonías de color y cómo usarlas en fotografía para expresar lo que quieras expresar).
A nivel técnico propuse hacer una iluminación potente, contrastada y brillante, usando un solo punto de luz situado a 3/4 sobre el modelo y un pequeño relleno, ya que quería tener suficiente información en las sombras por si era necesario recuperar algo de luz en la edición. Durante toda la sesión se fue modificando la potencia y la colocación de la luz para ajustarse a la altura de los modelos y de si se trataba de una sola persona o un grupo. Me gusta pensar que el efecto logrado es como un Rembrandt pero potenciado, con un contraste “rabioso”.
Para conseguir el tono que queríamos en los fondos, en vez de trabajar con papeles de color, los creamos con geles proyectando luz en el fondo. A parte de la versatilidad de poder elegir el color de la gelatina, fue una buena decisión porque conseguimos crear 4 fondos distintos en mucho menos tiempo que el empleado sí hubiéramos tenido que montar y desmontar los fondos de papel.
Por protocolos Covid citamos a los modelos a la sesión de forma escalonada, lo que me dio tiempo para poder hablar un poco con casi todos y me ayudó a entender cómo fotografiarlos. Me gusta conectar con la gente a la que fotografío; creo que es muy importante hacer sentir a la persona que está delante de la cámara que trabajas para ella en cierta medida, aunque sea una sesión de fotografía publicitaria (¡respeto y cuidado a tope!), al final la clave del retrato está en la comunicación.
Cliente: Barcelona En Comú
MUA: Julia Vargas
Tips para fotografía de músicos
5 tips o consejos para fotografía de músicos.
Una de las particularidades de la fotografía de retrato para músicos que la diferencia de las demás es que aparte de expresar la personalidad del retratado, y aunque parezca obvio, debe comunicar su estilo de música. Con eso me refiero a que la idea de la imagen esté pensada deliberadamente para dar una sensación. Hay aspectos que como fotógrafo puedes tener en cuenta (y también apreciar si eres músico en tus próximas sesiones!).
Veamos ejemplos. Te invito a comprar estas dos imágenes y que me digas quién se dedica al jazz y quién a la música clásica:
¿Te ha parecido muy fácil? Normal, no se parecen en nada, simplemente con una ojeada a la ropa ya se ve el estilo. Pero más allá del traje, estas imágenes son distintas. Hay un contexto y una atmósfera que les da ese punto de estilo característico, y eso se nota en el tipo de luz, si es dura o suave, el tratamiento digital e incluso en la dirección del posado.
Cómo realizar un book de fotos para músicos
Desde que empecé a hacer fotos para músicos me preguntaba cómo transmitir la personalidad y el carácter de los estilos. Con los años me di cuenta de qué aspectos debía cuidar. Vamos con otro ejemplo de imágenes con menos “clichés” para analizar estos puntos:
Estas son imágenes de mis últimas sesiones individuales de fotografía a músicos, intentando captar la esencia de cada estilo. De la guitarra jazz manouche de Chino, de sobras conocido en el mundo del Blues en Barcelona, al clarinete clásico de Laura Ruiz Ferreres, profesora en el conservatorio de Frankfurt.
Aunque el punto de vista es muy parecido, ya que no hay casi elementos en las fotos y el fondo de ambas es plano y liso, hay unas diferencias : El contraste de colores entre el fondo y a ropa de la foto del Jazz es más intensa, mientras que la de Clásica es más apagada y, por tanto, más relajada. La composición es más estática en la de la chica, ella está en el centro y tiene una buena proporción de aire alrededor, mientras que la del chico está en un tercio de la composición y genera líneas con la guitarra y la mirada que crean más dinamismo.
Así que, ¿cuáles son los elementos que hacen que te llegue este mensaje? La respuesta es una mezcla de puntos a tener en cuenta que van desde el posado a la composición.
5 tips para fotografía de músicos
Mood-Board
Me gusta pensar que una sesión fotos se empieza a hacer desde la primera conversación con modelo, cliente o amigo que vaya a posar. A mi esta comunicación me gusta hacerla a través de imágenes, porque pienso de forma gráfica y al final es una forma muy concreta de compartir las ideas que cada uno tiene en la cabeza. Trabajo con MoodBoards, es decir, carpetas con selecciones de imágenes. Siempre pido que me manden las fotos que les gusten y les enseño la idea de colores, fondos y estética que quiero desarrollar.
Fotos book de músicos
Composición fotográfica con instrumentos
Piensa en el instrumento/s cómo si fuera otra persona y compón la imagen como si hubiera alguien más a fotografiar. Ante todo cuida la composición para que los instrumentos no estén visualmente mal colocados, es más, intenta que ayuden a darle fuerza a la idea. No digo que no tomes riesgos ¡al contrario! te pongo como ejemplo este magnífico retrato de Stravinsk sacado por el fotógrafo Arnol Newman. La composición del encuadre, la forma del plano y el peso visual del torso del músico crean una imagen muy cubista.
Sin querer compararme con Newman, en estas fotos puedes ver otros ejemplos de composiciones con instrumentos un poco más atrevidas.
Sal a localizar
Tanto si se trata de un lugar nuevo o de una localización en la que ya has estado previamente, en exteriores te puedes llevar una sorpresa si no sales a localizar antes de una sesión. Improvisar puede ser muy divertido a veces, pero imagina que te has montado toda una idea para tomar fotos en una maravillosa pared de metal y cristal moderna que viste en google maps con un chelista y, de repente, llegáis al lugar y te la encuentras llena de grafitis. Además, lo mejor es hacerlo a la misma hora que harás las fotos, para ver como cae la luz en el lugar.
Cuidar la gama de colores de la sesión
Esta parte tiene que ver tanto con los fondos como con el vestuario. Ropa demasiado exagerada o descuidada puede arruinar el resultado de la sesión. Así que es mejor concretar el vestuario, sobretodo si has localizado previamente y tienes una idea de los tipos de colores que hay. Es importante saber qué gama cromática vas a utilizar para entender qué tipo de mensaje estás creando y si funciona con el estilo musical. Personalmente me gusta que las prendas sean discretas, pero no significa que siempre use negro para mis fotos. Si no sabes cómo crear armonías que funcionan en fotografía te dejo este otro artículo que escribí: https://www.nuriaaguade.com/blog/tecnicas-fotografia-producto-armonias-color
Trabaja las poses
Tanto el acting, como las poses son parte del resultado final para una buena fotografía de músico. Hay que perder el miedo a dirigir y pedir lo que haga falta. Al final es el fotógrafo el que ve y sabe lo que la imagen necesita, así que cuida el posado dando indicaciones. Eso si, procura ser muy respetuoso con cómo pides las cosas, ten en cuenta que para muchas persona dejarse hacer una foto es un momento vulnerable al estar delante de la cámara.
Arte solidario
Quería contaros que he cedido la venta de 4 de mis fotografías de autorretrato hechas durante el confinamiento para una causa solidaria en la que creo y que me gustaría compartir. Se trata del proyecto Aflorem, una iniciativa de cohousing surgida de un grupo de personas con diversidad funcional en búsqueda de conservar su libertad y conseguir una mayor autonomía.
Quería contaros que he cedido la venta de 4 de mis fotografías de autorretrato hechas durante el confinamiento para una causa solidaria en la que creo y que me gustaría compartir. Se trata del proyecto Aflorem, una iniciativa de cohousing surgida de un grupo de personas con diversidad funcional en búsqueda de conservar su libertad y conseguir una mayor autonomía.
Se trata de las series Velo y Sombras. Las imágenes se entregarán impresas en Papel Hahnemühle Photo Matt Fibre 200. Medida. 40 x 50 cm. Precio: 175 € (exento de IVA. Obra original)
Sobre el proyecto de cohousing y Aflorem
Aflorem es un proyecto de viviendas colaborativas, ahora mismo pendientes de construcción en Badalona, surgido de un grupo de personas con diversidad funcional. Como ellos mismos explican, el proyecto está pensado para darles mayor autonomía, estar al mando de sus propias vidas, mantenerse activos, no ser una carga familiar y, sobre todo, no tener que entrar a vivir en una residencia geriátrica. No desean para su futuro un entorno hospitalario ni asistencialista, con mirada al deterioro y a la dependencia.
Sección del proyecto elaborado por cohousing_lab https://aflorem.org/el-proyecto
Personalmente, el cohousing me parece un sistema de sentido común, en el que se logra crear vínculos de comunidad y reducir gastos por el hecho de compartir recursos. Cuando conocí el proyecto de Aflorem me pareció una idea genial ya que además de las ventajas de vivir en comunidad, tiene la idea de lograr que las personas con diversidad funcional puedan vivir en un entorno sin barreras arquitectónicas y adaptado, lo que tiene una repercusión directa sobre la independencia personal. También evitar la soledad al crear una red de apoyo mutuo, crear una ética de los cuidados, y otros objetivos ecosostenibles como el colectivizar servicios y recursos. En resumen, vivir de una forma más digna y feliz, con mayor calidad de vida.
Si queréis saber más, encontraréis toda la información en la página web. Se pueden ver los planos del proyecto que ha desarrollado Cohousing_LAB, leer sobre cómo se plantean las viviendas y conocer más sobre los socios fundadores y sus motivaciones. https://aflorem.org/
¡Ayúdanos a ayudar a materializar este proyecto pionero, inclusivo y cooperativo!
Aunque el proyecto es innovador, por el momento es una iniciativa privada, es decir, que la financiación de la construcción de estas viviendas no recibe dinero público. Por eso surgió la idea de crear una financiación a través de la venta de arte solidario con obras donadas por artistas altruistas. Hay tres maneras en las que puedes ayudar al proyecto:
Si quieres colaborar, puedes adquirir alguna de las obras a la venta a través de su página web https://aflorem.org/arte-solidario-aflorem El coste de la obra irá destinado a la financiación del proyecto.
Si eres artista altruista y quieres donar obra, puedes ponerte en contacto a través del número que encontrarás en este enlace https://aflorem.org/contacto
Y la última más necesaria (y no excluyente de las demás): Ayuda a difundir la palabra, habla de esta iniciativa, compártela. Porque igual alguien de tu entorno se quiere unir al proyecto o tiene una diversidad funcional y no sabe que existen iniciativas como esta. Las ideas que nos ayudan a mejorar la calidad de vida son semilla de cambio social que hacen que vivamos mejor y más conectados.
Fotografía artística y música ambient
En este post hablo sobre la colaboración entre imagen y sonido del último año con el músico argentino Plugim.
Hoy quiero hablar de fotografía de música pero a un nivel distinto del book para músicos. Se trata de la fotografía artística, evocativa y a veces onírica, que nace de la colaboración entre dos artes, y que te lleva a crear un tipo de retrato más intimista, ya sea jugando con la luz creando retratos o explorando e interpretando a nivel gráfico las piezas musicales.
Este es el caso de la colaboración que mantengo desde hace un año con Plugim, un proyecto de música ambient del argentino Damian Plouganou. Su música, con un punto experimental y glitch, está realizada mediante sintetizadores, guitarra, máquina de ritmos y samplers ejecutados y grabados siempre en directo, casi sin postproducción.
Lo interesante de la propuesta de Plugim es que, a través de performances en directo, explora la «memoria sonora». En sus propias palabras: “la percepción de un recuerdo se logra por la repetición de frecuentar un mismo lugar en sucesivas ocasiones; así los sonidos van adquiriendo significados al mezclarse con las imágenes experimentadas. No se trata de una reproducción, sino de una reelaboración a partir de esta memoria. Como un cuadro impresionista, estos sonidos se construyen desde cero acudiendo a una evocación, y se vuelven a plasmar sobre el silencio.”
¿Cómo fotografiar música?
Crear imágenes que interpreten a nivel visual el sonido, siguiendo la dirección y la intención en la que están concebidas las pistas, me dispara la imaginación y más en este proyecto en el que se trabaja el concepto de la memoria. Una auténtica fotografía artística al servicio de la música y la evocación.
Así surgen imágenes como las que acompañan piezas como Sand Wind, que nace de un recuerdo latente de las salvajes tormentas en la playa en Península de Valdés y que intenta evocar este paisaje natural. O Alley Cables que se inspira en recuerdos borrosos de algunas pasarelas interiores de Berlín nocturno donde el músico vivió unos años y que me llevó a buscar espacios subterráneos y sacar fotografías ligeramente borrosas y movidas.
Además de estas colaboraciones de fotografía artística y música ambient, con Plugim estamos preparando una pieza audiovisual de nombre “Relente”, una analogía entre el comportamiento del agua -en su estado líquido y gaseoso- y el sonido y su disipación en el aire. Un proyecto experimental de 30 minutos de duración, que será mi primer vídeo musical y que espero poder enseñar muy pronto.
Fotograma de la pieza “Relente”
Aquí os dejo el link al Bandcamp de Plugim, https://plugim.bandcamp.com/ dónde podréis escuchar sus piezas y ver las imágenes.
Books para músicos en este otro enlace: fotografía de músicos Barcelona
Técnicas de fotografía de producto: el color
Una de las partes más importantes en una sesión de fotografía de producto es usar correctamente los colores para que las fotos transmitan aquello que nosotros queramos. Para ello, hay que entender tanto cómo trabajar con el color para armonizar y combinarlo como todo aquello que los colores nos transmiten a nivel emocional y cultural.
Una de las partes más importantes en una sesión de fotografía de producto es usar correctamente los colores para que las fotos transmitan aquello que nosotros queramos. Para ello, hay que entender tanto cómo trabajar con el color para armonizar y combinarlo como todo aquello que los colores nos transmiten a nivel emocional y cultural.
Hay 4 claves que puedes aprender fácilmente sobre el color para trabajar con él en fotografía. Sigue leyendo si quieres saber cuales son pero, si te interesa realmente profundizar en este campo, tengo un curso en el que explico todo lo que un fotógrafo necesita saber para entender y aplicar el color a sus fotografías. Se encuentra en la plataforma de Jon Hernandez Education. ¡Te dejo el trailer con toda la info en este vídeo!
¿Cómo armonizar colores en fotografía?
Para que una imagen de producto funcione bien hay que componer, elegir la lente adecuada, saber iluminar y también entender qué color va bien con otro y cuándo y por qué usarlos. En este artículo hablaremos de la técnica de fotografía de producto que tiene que ver con las armonías y de cómo mezclar colores de forma agradable para que funcionen y ayuden a crear imágenes más atractivas.
En fotografía de producto y moda las combinaciones de colores funcionan siguiendo el mismo principio que toma la armonización tonal en la pintura. Tiene que ver con las componentes del color que se divide en las componentes de Tono, Saturación y Luminosidad.
El tono corresponde a lo que vulgarmente conocemos como color (Rojo, Azul, Verde…)
La saturación es su “fuerza” o viveza (de blanco y negro a muy saturado)
La luminosidad es la cantidad de blanco o negro que contiene (de más pastel a más denso)
Existen unas normas de armonía del color en las que se coordinan los colores. En todas las combinaciones suele haber al menos 3 colores: el dominante, el tónico y el de mediación.
Dominante: Es el más neutro y el que está más presente en la imagen. Sirve para destacar los otros colores.
El tónico: Es el que resalta más, normalmente más saturado y brillante, y en menor cantidad.
El de mediación: Funciona a modo de transición entre los demás colores y suele parecerse más al color tónico.
Para elegirlos y saber que funcionan bien, debemos usar el círculo cromático sobre el que se basan las normas de armonía básicas, buscando estos tres tonos ya sea por similitud o por contraste y entendiendo qué colores de estos deberán ser los dominantes, tónicos y de mediación.
Las armonías de color
Colores complementarios: Es la forma más básica de combinar colores por contraste. Crear fuerza visual ya que se trata de elegir colores opuestos en la rueda de color, como son, por ejemplo, los amarillos y violetas o los cianes y naranjas. Claro está que la intensidad de este contraste dependerá de si la combinación se hace mediante colores saturados, como en el caso de la primera imagen, o colores pastel como en la segunda imagen en la que tanto las pieles como los trajes y el fondo tienen colores que contienen mucho blanco.
Veamos estos dos ejemplos:
Ksenia Parkhatskaya / Mawu compañía de Aina Lanas
En el caso de esta imagen tenemos una combinación de colores por contraste. El color dominante es sin duda el azul y el tónico que le da el contrapunto es el rojo anaranjado del pelo, por tanto, dos tonos opuestos entre ellos en la rueda de color. El color de mediación en este caso está entre el blanco de la camisa y el beig de la piel.
En el caso de la segunda imagen también tenemos contraste ya que los colores se encuentran opuestos entre sí en la rueda de color. De hecho, se trata de una combinación muy parecida que juega con azules (dominante), rosados (tónico) y beig-blancos (mediación). La diferencia entre ellas está en que mientras en la primera imagen los colores tienen saturación (extremo del círculo cromático) en la segunda son mucho más pastel (centro del círculo cromático.) Las dos son imágenes energéticas y atractivas (¡está mal que me lo diga yo misma, que soy la autora!¿Me lo permitís aunque sea sólo en términos de armonía de color?) y añadiría que la primera es más intensa y “vibrante” mientras que la segunda mucho más “dulce”.
Armonías por colores afines
Cuando aplicamos teoría del color como técnica de fotografía de producto puede ser que nos interese combinar los colores de una forma que contengan menor contraste visual. Para ello podemos seguir las normas de teoría del color que juegan con los análogos y los monocromáticos.
Los análogos son los colores vecinos entre si en la rueda de color, básicamente aquellos que puedes encontrar en la naturaleza juntos, normalmente porque forman parte de la misma familia o categoría: los tonos rojos y naranjas del fuego, los distintos matices del azul del cielo, los verdes de un lago…
Sara Teller
En este ejemplo he usado una fotografía que combina los colores análogos del fuego, siendo en este caso la gama de los rojos el color o colores dominantes, el amarillo es color tónico y el de mediación el blanco del fondo. Si el círculo cromático fuera un reloj diríamos los tonos están casi todos contenidos dentro del mismo cuarto de hora. La idea con esta fotografía era explicar la fuerza explosiva de la acróbata, bailarina y profesora de Yoga creando un fondo “on fire”. ¡te dejo aquí mi galería de trabajos de baile!
Los colores monocromáticos, por otro lado son distintas “sombras” del mismo tono o color. Crean imágenes muy serenas y equilibradas con muy poco contraste. En la imagen de ejemplo vemos como casi todos los tonos de se encuentran “el fila” unos encima de los otros en la rueda cromática.
Slide & Swing / Ganxxet
Existen más formas de armonizar y combinar el color, aunque estas tres son las principales. Me resulta muy interesante ver cómo estas normas se encuentran aplicadas de forma consciente o inconsciente en las fotografías que han marcado la historia, que consideramos más atractivas o que simplemente nos impactan y se quedan nuestras retinas. El color definitivamente tiene un peso en la composición y potencia el mensaje que se está dando. En el curso sobre el color de la plataforma de Jon Hernandez Education, analizo ejemplos de fotógrafos y los distintos tipos de armonías de color que han usado en sus imágenes, no sólo fotógrafos del ámbito de la fotografía de producto o la moda, también grandes documentalistas como mi admirado Steve McCurry o la maravillosa Nan Goldin.
A nivel de la intención que ponemos a la hora de usar un color u otro entran en juego factores relacionados con el peso visual de los colores (si avanzan o retroceden) y sus connotaciones culturales y emocionales. Cada color transmite una energía distinta. Voy a dejar este contenido para un futuro post sobre técnicas de fotografía de producto. ¡Si te ha gustado leer este artículo sobre técnica fotográfica déjame un comentario!.
Puedes ver cómo aplico estos conceptos en mis fotografías de producto, e-commerce, alimentación y moda en esta página: fotografía de producto Barcelona.
Esta Navidad regala una sesión de book profesional
¿Has pensado en hacerte un book de fotos o te gustaría regalar uno? Durante esta Navidad ofrezco una sesión de corta duración a un precio reducido. ¡No dejes escapar esta oferta!
¿Has pensado en hacerte un book de fotos o te gustaría regalar uno?
Durante esta Navidad ofrezco una sesión de corta duración a un precio reducido dirigida a bailarines, modelos y músicos y también a cualquier persona que quiera hacerse un book fotográfico personal o profesional.
¿Qué incluye el book de retrato?
Este book fotográfico de retrato incluye una sesión fotográfica de 45 minutos en exteriores, pensada para fotografiar en una localización y con una opción de vestuario. En esta sesión obtendrás 6 fotografías retocadas en alta resolución que elegirás tu. Después del shooting tendrás acceso a una carpeta donde podrás revisar todas las fotos tomadas en baja resolución y con una marca de agua. Así podrás elegir tú mism@ las fotos que más te gusten. En el caso de querer más fotografías de la sesión ¡se te aplicará un descuento exclusivo!.
¿cómo reservo mi sesión de book?
Tienes hasta el día 3 de Enero para reservar tu sesión, es muy fácil, escríbeme a través del formulario de contacto de la web o mándame un mail a nuriaaguade@gmailcom para más información sobre las condiciones y empezar a preparar tu sesión.
Fotógrafa especializada en sesiones de book para actores, músicos y bailarines en Barcelona.
Cómo realizar un book de fotos
¿Cómo hacer un book de fotos?. Fotografía de book profesional en Barcelona para bailarines y artistas.
¿Qué ropa ponerse para un book de fotos? o ¿Dónde hacerse fotos para redes? Son preguntas muy frecuentes que me suelen hacer cuando me encargan un book profesional. Como fotógrafa de retrato me gusta preparar al detalle mis sesiones. Quiero compartir la experiencia de una sesión que he realizado recientemente para la bailarina y profesora de danza Roser Ros, con la que hicimos fotos de retrato y de baile para su nueva página web.
book de baile
Para mi hacer una sesión de fotografía de danza es una mezcla entre una sesión de retrato y una fotografía técnica de deporte. Por un lado intento captar el carácter del bailarín, que se sienta a gusto con su imagen igual que en una sesión de retrato normal, y por el otro lado procuro capturar el momento exacto en el que el movimiento está mejor ejecutado y es más bello, más pleno. ¡El baile es gracia y precisión!
Roser es bailarina y profesora de Lindy Hop, baile ligado al jazz y al swing que se puede bailar solo o en pareja. Cuando me llamó para hacer la sesión tenía muy claro el resultado que buscaba. La estética de los bailarines de Lindy Hop tiene un toque muy vintage, así que rápidamente le propuse usar como localización los entornos del parque de la Ciutadella en Barcelona, un lugar construido a finales del siglo XIX para la exposición universal en el que hay muchos espacios increíbles y que además se sitúa muy cerca del mar.
¿Dónde hacerse book de fotos en Barcelona?
Elegir las localizaciones es, para mi, la parte más importante de la pre-producción de una sesión de book de fotos. Aunque habitualmente en una sesión de book de baile se hacen como mucho dos cambios de vestuario y la sesión no dura más de hora y media, a veces se necesitan muchos más cambios. En el caso de esta sesión Roser necesitaba cuatro looks diferentes, así que localicé pensando en tener al menos cinco espacios disponibles que estuvieran cercanos entre ellos.
Para la fotografía de baile me gusta tener fondos que me permitan jugar con la composición para crear retratos llenos de interés, con profundidad y sobre todo una luz bonita. También procuro que los colores se ajusten a la estética que quiere dar el bailarín y combinen bien con la ropa.
Estas son las fotografías que tomé de los espacios. Para la orientación y la hora del día en la que íbamos a hacer las fotos encontré un edificio con una arquitectura muy ligera de cristal y hierro que tenía una hermosa luz de tarde y que, al mismo tiempo, contaba con un espacio con sombra donde poder hacer los posados. Cerca de este edificio hay un pórtico que me pareció interesante por el punto de fuga que tiene, luego localicé también una pared con una textura preciosa, una puerta antigua de madera y finalmente un espacio diáfano cerca del mar. La belleza de las sesiones de retrato hechas a esta hora en otoño en Barcelona es la caída de la luz ¡aunque dura realmente muy poco!.
La elección del vestuario y las poses de baile
Una vez enseñé a Roser las posibles localizaciones hablamos de la elección de la ropa. Qué ponerse en una sesión de book es la gran duda que surge a menudo, pero todo es más fácil cuando empiezas a visualizar los sitios donde se harán las fotos. Decidimos juntas los mejores outfits para ponerse en cada uno de los espacios, por ejemplo una camiseta con flores sobre un fondo con más verde, una falda amarilla con mucho color para el fondo del pórtico y un vestido rosado para la puesta de sol frente al mar.
El día de la sesión además teníamos preparada una selección de imágenes con posiciones de baile que nos gustaban a ambas, de esta forma fue mucho más fácil comunicar ya que mirando una referencia ya nos entendíamos. Los bailarines son muy conscientes de su postura y tienen mucha gracia así que es un gusto trabajar con ellos. Con Roser no fue una excepción.
Estoy muy contenta con el resultado, lo bien que han funcionado los distintos fondos y la variedad de retratos y posturas de baile bonitas que han salido de esta sesión, el tiempo invertido en preparar una sesión, cuidar las localizaciones, decidir qué ropa ponerse y trabar las posturas marcan la diferencia del resultado.
¡También realizo sesiones de book de fotos para actores y músicos!
Fotografía de retrato profesional en Barcelona
Fotografía de cv o book profesional en Barcelona para linkedin y página web. Un tipo de retrato en el que se cuida la imagen de marca personal a todos los niveles, el posado, el vestuario, las localizaciones y las posibles aplicaciones de las fotos para obtener un resultado que comunique profesionalidad.
Aunque habitualmente hago fotografía de book para músicos, actores y modelos a veces también me encargan fotografía de retrato profesional o fotografía de CV en Barcelona. Se trata de un tipo de fotografía de retrato hecho en exteriores y pensado tanto para la imagen de perfil de redes sociales profesionales tipo Linkedin como para la página de “quienes somos” o “about” de una web de empresa.
Este es el caso de la sesión de fotos que hice para los fundadores de la empresa Caepia, una gestoría digital de compras para restaurantes, cafeterías, caterings, ghost kitchens y tiendas degustación.
Para hacer retratos profesionales de imagen personal con los que mis clientes se sientan 100% identificados me gusta conocer la visión y los valores de su empresa y el trabajo que realizan.
Los creadores de Caepia, Eduard y Esther, trabajaron durante años en grandes compañías de hostelería organizada en cadena y conocen de primera mano los problemas con los que se encuentran los hosteleros. Para ellos es importante que su imagen personal de empresa transmita a sus clientes su cercanía y experiencia en el sector, ya que su misión es facilitar la gestión para que los hosteleros se dediquen a lo realmente les aporta valor, que es captar y fidelizar clientes satisfechos, elaborar platos deliciosos o formar y apoyar a sus equipos. Por tanto enfocamos la sesión a obtener retratos llenos de calidez y profesionalidad a partes iguales.
El posado y la elección del vestuario
Suelo aconsejar traer ropa comoda y neutra a las sesiones. Es importante que las prendas no distraigan del rosto ni tengan demasiada personalidad. Es recomendable traer varias piezas de ropa tipo camisas y chaquetas americanas para poder elegir el día de la sesión y en caso de duda aconsejo que piensen en la ropa que se pondrían para una reunión larga con un cliente importante, algo elegante pero cómodo.
Además cuando se trata de una sesión de retrato para un equipo de trabajo recomiendo acordar una gama de colores para dar uniformidad a las fotografías. En este caso usamos piezas de ropa de colores azules y en blanco y negro. Durante la sesión doy indicaciones sobre como posar, tanto la expresión del rostro y la posición del cuerpo como las manos, buscando que el acting sea cómodo y relajado.
Las mejores localizaciones exteriores en Barcelona
Cuando buscamos un entorno para hacer fotos redes sociales en Barcelona este debe ofrecer variedad de fondos que no creen distracciones y que sea versátiles para permitir distintos tipos de encuadres. Para las localizaciones que ofrecen esta versatilidad para una sesión de book profesional son espacios como jardines y lugares con paredes neutras sin sol directo, en la que no se creen grandes contrastes o sombras duras que puedan “ensuciar” el rostro o generar distracciones.
Como fotógrafa me gusta saber previamente donde se van a aplicar las fotografías ya que de eso depende que el encuadre sea vertical (también conocido como portrait), horizontal (tipo landscape) o alargado (formato banner). En este caso hicimos tanto fotografías verticales para la página del “quienes somos”, como horizontales para el perfil profesional de Linkedin y otras con un formato alargado apto para usar como cabecera. Las imágenes se pueden re-encuadrar sin dificultar gracias a los fondos neutros, adaptándose bien a distintas plataformas (Instgram, Likedin, Facebook, Wordpres,e tc).
En este enlace podéis leer más sobre el proyecto de Caepia y ver cómo han aplicado la fotografía de retrato profesional a su página web.
Ya llega la Navidad... en USA!
Sesión de fotografía de producto navideño para la compañía Ganxxet con sede en Miami.
Este otoño está siendo muy suave en Barcelona, tanto que parece raro que ya estemos pensando en campañas de Navidad. Sin embargo hace un par de semanas, cuando aquí estábamos comiendo las primeras castañas, me encargaron una sesión de fotografía de producto navideño para una compañía con sede en Miami.
Se llaman Ganxxet y comercializan todo tipo de hilos y fibras ecológicas hechos en España para todo tipo de arte textil y manualidades que van desde el macramé al crochet.
Las imágenes servirán para su página web, redes sociales y también para postales y tarjetas de Navidad. Un trabajo muy interesante en el que la premisa era crear bodegones con texturas naturales, luz suave de invierno y elementos que transportaran a la calidez del hogar. La paleta de colores de los productos de Ganxxet es preciosa y he disfruto mucho creando los sets junto a su community manager y preparando las sesiones.
Si te interesa puedes ver mis trabajos comerciales tipo still life, e-commerce y de catálogo en este enlace: Fotógrafo de producto en Barcelona aquí.
Exposición fotográfica Swing en La Violeta de Gràcia
Mi exposición con las mejores fotografías de swing, baile y música, que he tomado en los últimos 10 años. ¡En la Violeta de Gracia hasta final de mes!
Durante el mes de Noviembre estarán expuestas una selección de mis fotografías de danza y música en directo. Se trata de imágenes que he realizado durante los últimos diez años documentando conciertos, festivales y exhibiciones de Lindy Hop y Swing en Barcelona, ciudad que cuenta con una de las mayores comunidades de bailarines de Europa.
Hasta el 31 de Noviembre de 2020 en La Violeta de Gràcia.
Dirección: Carrer de Maspons, 6, 08012 Barcelona
Autorretratos del confinamiento
Sobre cómo hacer autorretrato me ayudó a expresarme durante la pandemia y el inesperado éxito que tuvieron mis fotos.
El confinamiento empezó en España con la declaración del estado de alarma el 14 de Marzo de 2020. Aunque ya sabíamos que iba a ocurrir y fue un mal necesario, mi vida laboral como la de mucha otra gente dio un giro repentino.
Esa semana tenía planificadas dos sesiones de fotos en estudio, una sesión de fotografía de producto para un look book de moda y otra de fotografía de retrato con una bailarina. También tenía agendados esos meses un par de festivales de danza, ese tipo de eventos de los que congregan a más de 500 personas, que por motivos obvios no se hicieron.
Me parecía que tenía que aprovechar el tiempo y hacer mil cosas pero, en vez de activarme, durante las primeras semanas entré en una especie de letargo, me costaba mucho trabajar y bajé mi productividad. Lo que sí hice fue mucho más deporte (suerte del yoga) y vi películas, leí un poco, como si me hubiera ido temporalmente de vacaciones y en unos días todo fuera a volver a la normalidad. Pero el tiempo pasaba, se acumulaba la desidia y cada vez me sentía más desconectada de la foto y más inquieta.
Fue entonces cuando tomé la cámara, me bajé una app para controlarla desde el teléfono y decidí empezar a usarme a mi misma de modelo. Al principio seguí una iniciativa a modo de reto fotográfico por Instagram de la fotógrafa Cristina Otero (grandísima artista) que proponía una palabra muy abierta para ser interpretada. Así surgieron mis 2 primeras imágenes: Esperanza y Soledad.
De mis primeros autorretratos diré que creo que son muy literales. Interpretar una palabra tan grande como Esperanza era como decidir definir el color Azul (o el amarillo, cualquier color) tan diferente para cada persona, tan amplio que de entrada podía sobrepasarme. Así que desde mi inexperiencia decidí abordar el tema desde lugares comunes, el concepto de esperanza en el momento presente con la enfermedad del Covid-19 y concretamente la esperanza mía de poder salir a la calle y volver a la normalidad.
Esta foto la tomé al lado de la ventana del balcón con mucha luz natural, con un 85 mm fijo de Sigma que siempre me da alegrías. Quise aprovechar la cortina que queda fuera de foco en un primer plano para dar la idea de estar en un interior mirando hacia fuera, aunque no saliera la ventana. Los dedos tapando (o destapando) la boca, como una mascarilla-protección. Los ojos fueron la parte que más trabajo me trajo, les cambié el color a azul celeste y mediante modos de fusión conseguí meter la imagen de una nube. Eh ahí el miedo presente a la enfermedad, el estar en casa y el anhelo de libertad como la “esperanza”.
La segunda imagen, Soledad, surgió aprovechando una mañana de sol con mucha luz directa. En mi casa sólo tengo un balconcito y esa es mi única ventana de proporciones “grandes” con la que puedo jugar. El contraste que creaba la propia luz fue la excusa, pensé en lo sola que me hacía sentir ver a mis seres queridos sólo a través de pantallas y la distancia enorme que se creaba a nivel emocional. Creo que nos pasaba a todos, después de una videollamada me sentía muy lejos y aislada.
La idea era simple (ya dije que me parece bastante literal) yo en la franja de luz en un lado del encuadre y el teléfono, mi pequeña y única ventana posible al exterior, en el lado opuesto de la sombra. Enajenación, distancia física y emocional, contrarios creados por la composición y el espacio positivo y negativo.
A partir de ahí algo hizo clic en mi y empecé a disparar casi cada día. Las siguientes imágenes ya no surgieron de palabras propuestas por grupos sino de ideas que quería probar. Lo importante para mi es que me estaba dando algo que hacer y además que había desbloqueado mentalmente el tabú de la selfie superficial para entender algo que es más profundo: cuando te usas a ti para hacer autorretrato la persona que sale en las fotos dejas de ser tu, te vuelves un actor que interpreta un papel o un elemento más al servicio de esa idea.
Usarme a mi misma me daba mucho más tiempo que en una sesión normal para probar y experimentar, empecé a jugar con telas, objetos, luces y encuadres y también tratamientos de post producción muchísimo más libres. Entendí mejor a fotógrafos como Francesca Woodman o Alberto García-Alix y el valor de expresar emociones desde su propio cuerpo.
Así fueron surgiendo imágenes como la del jarrón de agua, pensando en la sensación de falta de espacio y agregando un toque surrealista. O las del velo negro, pensando en los procesos de duelo que estábamos atravesando, ya no sólo por la perdida de vidas sino también por tener que aceptar que “la nueva normalidad” implicaba una destrucción de la normalidad de siempre y de todas aquellas cosas que desaparecían con ella. Os dejo la galería con todas las imágenes:
Publicando los autorretratos en redes sociales me di cuenta de que gustaban bastante e inspiraban, me llegó un dibujo de un artista argentino sobre una de las imágenes y varias piezas de un músico que se inspiró en mis retratos. También me invitaron a unirme a un grupo en Instagram de fotógrafos con las mismas inquietudes y que pasaban por momentos parecidos. Pero cuando a finales de Mayo, ya tocando casi al final del confinamiento, me contacto una periodista de RTVE para proponerme una entrevista, superó todas mis expectativas. Fue una noticia breve de cultura, la podéis ver aquí.
Después del confinamiento poco a poca fui dejando de hacer autorretratos, supongo que se calmaron las aguas que me agitaban, cumplió su función. Me abrió un mundo a experimentar sin juicios, a jugar y a buscar recursos. Aunque se abrió paso la necesidad de estar otra vez detrás de la cámara creo que volveré al autorretrato cuando lo necesite.
Doblexposición, Nueva York y la fotografía de viajes
¿Qué cámara me llevo de viaje? doblexposiciones hechas con una pequeña cámara digital de consumo.
Cuando llegan las vacaciones me planteo: ¿qué cámara es mejor para ir de viaje? Cómo fotógrafa profesional por un lado me da pena no llevarme un buen equipo, veo imágenes interesantes en todos los rincones y se que voy a querer sacar fotos de absolutamente TODO, pero por otro lado.. las vacaciones son un momento para desconectar y, para que engañarnos, me da pereza cargar con mi equipo profesional más las maletas y los bolsos, pero también en gran medida por el miedo a que le pueda pasar algo a mi equipo. Las cámaras y las lentes son caras y, aunque lleves un seguro, ¡lo mejor es prevenir daños!
A lo largo de mi vida he probado distintas soluciones, desde no llevar ninguna cámara conmigo y pretender ser una “civil” más, a probar con cámaras analógicas, sólo la cámara de mi Iphone y alguna que otra Mirrorless… Al final he llegado a una conclusión: Sí, las vacaciones son para desconectar del “trabajo”, pero mi trabajo es además mi pasión, y si bien no hace falta estar todas las vacaciones sacando fotos que podrían venderse en un stock fotográfico si puedo aprovechar este momento para “conectar” con la fotografía desde otro lugar, dejarme llevar y experimentar.
Este viaje lo hice en 2011, llevaba una pequeña Canon que no daba mucha resolución, un sensor chiquitín y una lente de batalla integrada. Nada del otro mundo a nivel “técnico” pero me dio la agilidad que mi réflex del momento, una pesada Canon 10D, no me podía dar.
Cuando pisé Nueva York tuve la sensación de reconocer cada forma aunque la viera por primera vez… una experiencia que parecía sacada de un libro de Auster, donde se mezclaban espacios y se confundían identidades. Tomé fotos sin pensar mucho y disfrute cada rincón, cada toma.
A la vuelta, al cabo de un tiempo y con este espíritu de libertad me puse a experimentar con el photoshop y a crear doblexposiciones, en blanco y negro y con la premisa de usar sólo dos imágenes por montaje. Quería crear algo íntimo, una narrativa mía sobre la sensación de des-ubicación de estar en casa en la otra punta del mundo.
Si lo hubiera planeado o si hubiera viajado con una cámara analógica posiblemente habría intentado hacer la doblexposición en la toma, pero estoy contenta del resultado, sobretodo porque me dio la flexibilidad de hacer los montajes con imágenes de lugares que no estaban cerca.
Finalmente fueron 8 imágenes que puedes ver en a siguiente galería:
